Dal videogioco al cinema: l’evoluzione degli adattamenti
La connessione tra Hollywood e l’universo videoludico è stato per decenni caratterizzato da una sorta di diffidenza reciproca. I primi tentativi, avvenuti negli anni Novanta, non hanno fatto altro che rafforzare questa diffidenza, con titoli iconici del videogioco diventati veri e propri flop al cinema. Poi, però, la situazione si è completamente ribaltata. L’industria del cinema e delle serie TV ha compreso che le saghe interattive non sono semplici passatempi, ma universi narrativi complessi dotati di una propria identità visiva e di un seguito globale di milioni di appassionati.
La convergenza tra l’intrattenimento digitale e i media tradizionali fa ormai parte di un ecosistema digitale integrato. Non è raro infatti ritrovare icone dell’immaginario ludico diffuse tra mercati differenti, che vanno dal merchandising agli adattamenti televisivi, fino ad approdare alle sezioni tematiche sviluppate sui grandi aggregatori o nei cataloghi dei casinò online, dove i marchi cinematografici e videoludici vengono riproposti sotto forma di slot e giochi grafici con licenza ufficiale.
La fine della “maledizione” degli adattamenti.
Per lungo tempo si è parlato di una vera e propria maledizione narrativa quando un videogioco approdava al cinema. Opere storiche e oggi molto apprezzate come Super Mario Bros. del 1993 o i primi esperimenti tratti da picchiaduro e giochi d’azione, come il disastroso Street Fighter – Sfida finale di Steven E. de Souza o Double Dragon di James Yurich, soffrivano di una scrittura troppo distante dallo spirito originale, pensata da registi e sceneggiatori che spesso non conoscevano la materia prima.
La svolta è arrivata con il primo mitico Mortal Kombat del 1995, diretto da Paul W.S. Anderson, vero appassionato di videogiochi, e quando le stesse case di produzione di videogames hanno preteso un controllo creativo diretto sui progetti. L’esperienza di successi recenti al botteghino, dalle trasposizioni d’animazione fino ai film d’azione ad alto budget, ha dimostrato che rispettare la mitologia originaria e la caratterizzazione dei personaggi è la chiave per conquistare sia i videogiocatori storici che il pubblico generale.
Il ruolo decisivo delle serie TV a grande budget.
Se il cinema deve condensare decine di ore di gameplay in un paio d’ore di proiezione, il formato della serie televisiva in streaming si è rivelato la struttura ideale per trasporre narrazioni complesse. Adattamenti di titoli acclamati dalla critica come The Last of Us o Fallout hanno dimostrato come sia possibile mantenere la profondità drammatica, la cura scenografica e lo sviluppo dei personaggi senza snaturare il ritmo dell’opera originale.
Come evidenziato dalle analisi sui media e dagli approfondimenti culturali pubblicati da ANSA, il successo di queste produzioni ha persino generato un effetto di ritorno inverso: l’uscita di una serie TV di successo spinge regolarmente centinaia di migliaia di nuovi utenti a iniziare o riprendere in mano il videogioco originale.
Dalla grafica interattiva al linguaggio cinematografico.
Un altro elemento fondamentale di questo avvicinamento risiede nell’evoluzione tecnologica. I videogiochi moderni utilizzano già motori grafici d’avanguardia, sceneggiature firmate da autori cinematografici e recitazione in motion capture affidata ad attori professionisti di Hollywood.
Di fatto, il confine linguistico tra giocare e guardare si è assottigliato enormemente. Le produzioni cinematografiche non devono più “inventare” uno stile per rendere credibile un videogioco sul grande schermo: si limitano a tradurne l’estetica e la carica emotiva in una nuova forma di racconto visivo.
La Redazione
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